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grottesco

BRONSON

USCITA CINEMA: 10/06/2011.


REGIA e SCENEGGIATURA: Nicolas Winding Refn.
ATTORI: Tom Hardy, Matt King, Amanda Burton, James Lance, Gordon Brown, Paul Donnelly.


PAESE: Gran Bretagna 2009. GENERE: Azione, Biografico, Drammatico. DURATA: 92 Min.

VOTO: 6

E’ arrivato sui nostri schermi, dopo circa tre anni dalla prima distribuzione, il “detenuto” film di Nicolas Winding Refn, l’appena palmato miglior regista all’ultimo Festival di Cannes con “Drive” (lo vedremo nel prossimo autunno, nda). In “Bronson”, Refn ci racconta la storia del carcerato più pericoloso del Regno Unito. Colui il quale ha trovato in galera una seconda casa. Partendo dai primissimi istinti di ribellione nelle aule scolastiche, passando attraverso l’iniziale misera rapina a diciannove anni, e arrivando alle rissose baruffe coi secondini e i compagni di cella. (altro…)

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PULP FICTION

Un film di Quentin Tarantino.

Con John Travolta, Samuel L. Jackson, Tim Roth, Amanda Plummer, Eric Stoltz, Bruce Willis, Ving Rhames, Uma Thurman, Rosanna Arquette, Harvey Keitel, Maria de Medeiros, Christopher Walken, Steve Buscemi, Quentin Tarantino.

Hard boiled, durata 154 min. – USA 1994.

VOTO: 8

La faccenda non è la bambina in pericolo. La faccenda è una rapina in banca fatta con un cazzo di telefono!”.

Mentre la funzione del cinema classico era quella di utilizzare le “contraffazioni” narrative per generare interesse nello spettatore, “Pulp Fiction” fa vedere come le illusioni e i McGuffin prestino servizio a un disordine nei ruoli, a uno scombussolamento d’animo solo per il gusto di togliere gli equilibri e le certezze in chi vede. Non si sa più per chi parteggiare (ammesso che ciò sia indispensabile). Non si sa cosa c’è dentro la celeberrima valigetta, però siamo contenti di osservare i personaggi mentre la rincorrono, la possiedono, guardano cosa c’è dentro, divisi tra stati d’animo opposti. La valigetta non è nient’altro che quell’elemento-icona un po’ misconosciuto che ritroviamo sui nostri desktop, e che non siamo in grado di sapere bene a cosa serve finché non ci clicchiamo. Ammesso che il sistema operativo permetta questa funzione.

E’ un’incertezza che non tocca minimamente l’idea registica che Tarantino ha avuto per svolgere questo film. Pochi movimenti, macchina da presa quasi fissa, qualche stacco, nessuna iperbole visiva e la rinuncia a un montaggio rapido. La preferenza è ancora una volta verso i tempi lunghi, ingranditi così tanto da risultare quasi insostenibili. Tra quelli che restano maggiormente indelebili c’è il pigro piano sequenza in steadicam che riprende Vincent e Jules prima dell’incursione nell’appartamentino degli spacciatori e, con le stesse caratteristiche ma leggermente più corto, il trepidante rientro a casa di Bruce Willis nel tentativo di recuperare “The gold watch”.

Delizioso è il pedinamento che, fatto alle spalle di John Travolta, ci introduce all’esplorazione del “Jack Rabbit Slim’s”, locale dalle morfologiche sembianze risalenti a un’altra epoca. Le panoramiche ondeggianti in semisoggettiva, ci permettono di distinguere i camerieri-controfigura di Zorro, Marylin Monroe, James Dean, Mamie Van Doren. A questa sequenza segue la gara di twist, diretta con un’invidiabile attenzione verso il tempo reale, con tanto di ricognizione sulla levata di scarpe di Travolta e Thurman a dare un senso naturale di consequenzialità. Una delle scene più belle è in aggiunta il “buco” di Vincent Vega: montaggio in parallelo tra la preparazione della dose nella casa dello spacciatore, con inquadrature tutte provenienti dal basso, e il viaggio in auto, i capelli al vento e, all’orizzonte, un fondale smaccatamente “dipinto” da immagini girate in precedenza, un po’ come si faceva nei vecchi film d’epoca. Quasi tutti gli spostamenti in auto sono così: è l’esaltazione della simulazione e lo svelamento di personaggi sempre più somiglianti a eroi dei disegni animati (lo “sconfinamento” di “Kill Bill” sarà, al riguardo, illuminante e accolto da chi scrive con enorme liberazione).

Non tutto il lavoro prodotto ha i suoi buoni risultati. A volte il ritmo ne risente: la pellicola si carica di staticità per via di una sceneggiatura che si dipana lentamente. La parola è sovrana, domina l’intera scena e ci coinvolge nella sua arte affabulatoria, offrendoci una mistura vigorosa di elementi di genere acquietati da un cerimoniale lessicale nel quale i dialoghi alternano mediocrità a intelligenza, non spingono mai verso un’azione certa (e il non sapere il futuro mette ansia in chi guarda/ascolta), avvicendando stili beffardi ad altri stolti e fingendo di rappresentare una filosofia che non c’è.

Ha problemi di peso”.

Cosa deve fare, poveraccio, è samoano!”.

Per fortuna arriva in soccorso l’ironia. Tarantino e Avary, autori dello script, hanno inserito alcune mirabili perle di sarcasmo, turpi e sconvenienti. Come quando veniamo informati di un tizio che ha tenuto nascosto un orologio nel sedere per 5 anni, per poi morire di dissenteria. Oppure quando Bruce Willis si trova costretto a scegliere tra una mazza da baseball, una motosega e una bella katana… Ci sarebbe da soffermarsi anche sulla “fine” tragicomica che si svolge nel RETRO del negozio di elettronica per sollevare un dubbio sulla presunta omofobia dell’autore, ma non ci sono elementi sufficienti per formulare un eventuale “rimprovero”. Il dialogo sul massaggio ai piedi all’interno del ristorante invece, è frivolo e drammatico allo stesso tempo: da una parte sappiamo trattarsi di un atto che non dovrebbe giustificare moti di gelosia, dall’altra conosciamo il destino del “predecessore” di Vincent Vega, il quale ha fatto davvero una brutta fine. Ridere della morte, forse per scacciarla, è una risorsa che lo spettatore conserva per poi rituffarsi nell’intrigo feticista, dato che Tarantino, di lì a poco, sarà ancora una volta alle prese con i piedi…

A sostenere l’ossatura di “Pulp Fiction” provvedono anche i luoghi frequentati dai personaggi. Non poteva mancare il fast food che, oltre ad aprire e chiudere il film, quasi a volerlo contenere e proteggere da un’identità prettamente “americana”, esalta la popolarità della pellicola, indirizzandola verso quella collettività trasversale che si riconosce in un territorio così comune e accessibile. Così come abbordabile risulta l’automobile, oggetto prezioso tanto da essere accudito e pulito; luogo deputato alle confessioni (su “cosa fare ad Amsterdam quando sei vivo”, sui cibi più prelibati per palati americani ordinari), ai nascondigli di droga, armi e cadaveri, e finanche utilizzato come tavolo nel locale alla moda frequentato da Mia e Vincent. Il rettangolo con linea tratteggiata è invece l’isola che non c’è: non dimentichiamoci che siamo in un fumetto, e a volte le parole non servono. Basta un mezzo grugnito e tutto si spiega da se’.

La sensazione è che, col passare del tempo e dopo ripetute visioni, “Pulp Fiction” non mantenga tutta quella forza che lascia dopo il primo impatto. Probabilmente i tempi dilatati appesantiscono alcune scene rendendole prevedibili. Tarantino rimane un esponente di un nuovo modo di parlare allo spettatore; il rischio è quello di annoiarlo o di prenderlo per sfinimento, tante sono le elucubrazioni a volte così personali e soggettive che minano alla base il suo intento. Forse il metodo non è così indispensabile al cinema, però ben si adatta al nostro presente così “fluido”, pronto ad assorbire velocemente qualsiasi sottotesto, trangugiandolo senza pretendere che ci si fermi a pensare al gusto. Tutto sommato, alla fine, sentiamo che la pellicola non ci ha trasmesso un messaggio particolare e non ha assunto un punto di vista sociologico ben preciso. Nella sua intenzionale esteriorità si possono cogliere quelle affamate scie post-moderne che tanto si sono vantate di esistere grazie all’accumulo di informazioni, senza che si siano dannate troppo a decifrarle criticamente. Bastava servirsi del piacere dato dal libro/testo e rompere con il piacere dato dalla sostanza. Probabilmente le vere innovazioni si sono come esaurite. Sono rimaste le mute apatie.

L’opera di Tarantino resta un fenomeno di costume e un cult ormai indiscusso. Ostenta legioni di fedelissimi, pronti a citare a memoria alcune battute del film e a esaltarne la cultura pop. Lo stesso regista, come per giustificarsi e dare un tono autorevole a ciò che sta per esporre, all’inizio del suo film ci informa che l’American Heritage Dictionary definisce “pulp” una massa di materia informe e molle (viscere, carne martoriata e cervelli sbriciolati?), oppure un libro che tratta di argomenti sinistri, normalmente stampato su carta di qualità inferiore. Per l’appunto.


PIRANHA 3D

Un film di Alexandre Aja del 2010.

Con Elisabeth Shue, Adam Scott, Steven R. McQueen, Jessica Szohr, Ving Rhames, Christopher Lloyd, Eli Roth, Richard Dreyfuss.

Prodotto in USA. Durata: 89 minuti. Disponibile in formato 3D. Distribuito in Italia da Bim Distribuzione a partire dal 04.03.2011.





VOTO: 7


Richard Dreyfuss va a pesca. E’ vestito come in “Lo squalo”: berrettino nero tirato indietro, a scoprire la fronte calva. Questa volta non troverà sui suoi flutti il carnivoro acquatico più terrorizzante e rappresentato del grande schermo. Il predatore bianco è infatti sostituito da una frotta di voracissimi piranha, moltiplicatisi in un lago a una velocità superiore a quella dei Gremlins, richiamati in vita da un terremoto che pare ridestarli dalle profondità dell’inferno, e provenienti da una catena vulcanica sommersa risalente al periodo del mesolitico (sì, lo so, potrebbe non essere attendibile ma dovete crederci). (altro…)


PINK FLAMINGOS

Titolo Originale: Pink Flamingos.

Regia: John Waters.

Interpreti: Mink Stole, Mary Vivian Pearce, David Lochary, Divine.

Durata: h 1.43. Nazionalità:  USA 1972. Genere: grottesco.
Al cinema nel Marzo 1972.

VOTO: 8,5


La terra dei sogni è scomparsa: al posto di sfavillanti e brulicanti città dai territori bonificati, sosta una roulotte scassata e scialba che si compiace del suo giardino fatto di galline finte e di fenicotteri rosa in plastica, conficcati nello spoglio e arido terreno. E’ la prima messa in scena allucinata di un film difforme, da ogni punto di vista, che diventerà celebre per l’estetica smodata e a suo modo leggendaria. Speditamente bollato come volgare e solitaria icona degli emarginati gay, John Waters descrive bene i ghetti ma non è portato alla segregazione di se stesso, ne’ a designazioni formali che sfocerebbero con la sclerotizzazione di un personaggio così dinamico, mobile, multiforme e decisamente pensante. Tanto da prestare la sua caustica voce a brevi introduzioni per alcune scene del film: un ammiccamento e una richiesta di partecipazione a chi sta assistendo allo spettacolo.

Una commedia grottesca realizzata con pochissimi soldi, offerta insieme a una struttura narrativa delicata eppure così prestante, fondata su eventi e personaggi slegati da sviluppi drammaturgici. Svolgimenti che raccontano di Babs Johnson (Divine) e della sua allegra famigliola particolarmente devota al cattivo gusto. Tenteranno di sfidare questa “convenzione” i coniugi Marble, affaristi spietati dediti a delitti e nefandezze, i quali proveranno a superare in ripugnanza la disinvolta figura di Babs. La pellicola è ripresa da una sola telecamera, posizionata un po’ a casaccio e fatta muovere attraverso zoom a ripartire la superficie dello schermo, e con fuori fuoco propri della competenza di un principiante che sa aggiungere giusto un paio di camera car. Si preferisce lasciar parlare le immagini, accostate molto spesso a veri e propri preludi e complementi musicali, le quali sembrano prese in prestito da una rappresentazione teatrale a due dimensioni.

Slegare Waters da queste incapacità di eloquenza significa riconoscergli un non generico marchio di fabbrica, fatto di codici e linguaggi propri, di magnifici assilli mentali schiodati burlescamente dall’ordine di istituzioni dogmatiche quali la scuola, la famiglia (nel film traspare il concetto di un possibile nucleo omosessuale), la chiesa, e in genere dall’ambito dei cosiddetti ortodossi “sani”. Folletto insofferente, il regista statunitense è un esteta a 360 gradi, un signorotto perspicace, un vate molesto che erige un nuovo limite al significato della parola “schifo”, osteggiando le dolcezze familiari e quelle dei paesaggi armoniosi. Mette in gioco e confonde pezzetti di ideali pubblici diversi, lo sgomento si mescola al fotoromanzo, l’hard si fonde con il grottesco.

Il modesto budget non impedisce di godere di alcuni costumi (o semplici vestiti) vivaci, soprattutto appannaggio di Divine, e di location scrupolose nonostante siano per lo più desolate, aride, abbandonate. La scenografia di gusto propriamente kitsch (vedi la mobilia rococò dei coniugi Marble) congiunge Waters alle decorazioni almodovariane: i colori squarciano le tinte smorte, stravincono i rossi, i rosa marcati, le note blu cariche di elettricità, sempre ai limiti di un ingenuo postmoderno decorativo. C’è qualcosa che unisce il piacere della lordura, magari posta nelle periferie, e delle ostentazioni quasi arroganti delle omofilie watersiane a quelle pasoliniane: entrambi mettono in bella mostra il “tormento” scatologico e una stipata componente autodistruttiva. Un autolesionismo che richiama, non fosse altro che per l’anno di uscita comune, l’altro capolavoro sadomasochistico che è “Le lacrime amare di Petra von Kant”. Ma mentre quest’ultimo resta un film serioso e ad alto tasso introspettivo e drammatico, l’approccio di Waters è allegro e spensierato.

Questo atteggiamento favorisce l’avvicinamento di quel pubblico che frequenta per abitudine i cosiddetti midnight movies; gente disposta a un certo tipo di altruismo, protezione e complicità reciproca. Si deve essere predisposti ad abbandonare qualsiasi posizione difensivista se si vuol godere dello spasso proposto sullo schermo, altrimenti il rischio è quello di subire la volgarità e i folli capricci di personaggi ad alto tasso di fastosa e ostentata PIGmentazione.

Vaneggiante fino al punto di mostrare donne morte di parto, un bieco traffico di neonati, un rapporto sessuale con tanto di polli operosi, ingravidamenti tramite una siringa, feticismo dei piedi, Waters non lesina neppure sulla mattanza dei poliziotti a ritmo di rock and roll durante la festa di compleanno di Babs e la conseguente sostituzione a essi nell’atto giustizialista mostrato alla stampa, con la difesa imbavagliata, perché “l’omicidio allevia la tensione”. La fellatio fatta dalla madre al figlio è un ulteriore ardire che non lascia scampo. L’impressione è che “Pink Flamingos” non lo si possa considerare un film eccitante, a meno che qualcuno non trovi in alcune delle scene un feticismo così personale da considerare erotico ciò che vede.

Waters schiude gli armadi pieni di scheletri, ed esibisce l’ambito squilibrato del suo inconscio. Gioisce del fatto di considerare se stesso uno zimbello. E lo fa con una collera e una spietatezza che valica i confini dell’ordine delle cose (niente di più facile che usare come pretesto la gara di “persona più schifosa” del mondo per mostrare “tutelate” empietà). “Pink Flamingos” è fondato sul ribrezzo metodico, teso perennemente a generare disgusto nello spettatore, tanto che alcuni esercenti cinematografici dell’epoca escogitarono un artificio di richiamo consegnando agli spettatori un sacchetto per il vomito da usare all’interno della sala.

Ma si tratta di un raccapriccio che vira verso la beffa, voyeuristico e megalomane, un orrore per chi ha senso dell’umorismo e si presta a essere dileggiato con una strizzata d’occhio finale. La vena provocatoria redime le “scelleratezze” dello show di Waters, al contrario di ciò che accade con gli attuali torture porn sempre più accessibili nello show business hollywoodiano: perché il divieto vige sempre e soltanto per il sesso. La violenza, ultimo atto proibito liberato da qualsiasi interdizione, può entrare nel nostro immaginario dalla porta principale e accomodarsi sul divano, seduta al nostro fianco.

Le intenzioni di Divine sono radicali nella sua trasfigurata frenesia: uccidere tutti ora, condonare gli omicidi di primo grado, sostenere la causa del cannibalismo. Travolge chi fa jogging, irride la recluta autostoppista sulla via della guerra, si mette una bistecca tra le gambe, fa i propri bisogni nei giardini di case borghesi con la massima naturalezza. Da questa serie di ritratti sovversivi si comprende il modello che Divine ha rappresentato negli anni Settanta. Lo schermo del trucco pesante da pagliaccio che lo rende enigmatico e conturbante, allegoria di ambiguità sessuale; il fisico pingue, spia dell’intemperanza, dell’esuberanza, dello straripamento di ogni diga etica; la veemenza, deflagrante quando minaccia la quiete borghese, autoannientatrice quando annulla la propria identità prestandola per un attimo alla “causa”, e mangiando, nella scena finale, quello che l’America era in grado di offrirgli ai tempi del Vietnam; simbolo di una generazione che ha idealizzato la ribellione nel compimento dell’atto sessuale. Con Divine fanno fiasco le carreggiate maschiliste o femministe, la filosofia si inceppa nel dare interpretazioni congruenti, l’immagine di copertina sui giornali festeggia il suo essere “diva” e al contempo il carisma del ricercato. Vincono l’equivoco e l’inganno, la deviazione alterante, il passaggio verso una strada che poi si scoprirà essere postmoderna.

Ma allora da che parte sta John Waters? Come si schiera politicamente? E’ difficile incasellarlo in un comportamento ben preciso, di conseguenza anche la sua ideologia ancheggia tra la sinistra, il neofascismo e l’anarchia. L’impressione è che a prevalere sia una certa incongruenza di fondo, una fisionomia indistinta. Libera, più che liberale o radicale. Il John regista è instabile e disarmato come il personaggio di Humpty Dumpty, il grosso uovo antropomorfo.

Humpty Dumpty sedea sul muro

Humpty Dumpty cascò sul duro,

Tutti i fanti che accorsero tosto

Non seppero alzarlo e rimetterlo a posto.


Lo spirito nomade e disturbato di Waters erra lontano dalle linee dritte dell’ortodossia, si chiude in spazi angusti e riservati, diffida di chiacchere sdolcinate che lo porterebbero lontano dalle sue mire, fugge da Baltimora per respirare polvere e brezze all’odor di feci e uova, sfidando ogni descrizione.

God bless dirty mobile homes.


IL DIVO

Un film di Paolo Sorrentino.

Con Toni Servillo, Anna Bonaiuto, Giulio Bosetti, Flavio Bucci, Carlo Buccirosso.

Drammatico, durata 110 min. – Italia 2008. – Lucky Red. Uscita: mercoledì 28 maggio 2008.






VOTO: 9


Novello Hellraiser che si cura l’emicrania con l’agopuntura. Star seguita da un manipolo di guardie del corpo ed esposta alla luce inebriante dei flash. Personaggio quasi metafisico che si rifugia nei confessionali “espiando” (o condividendo) col prete di fiducia le proprie colpe. A proprio agio nella sua deforme postura, è un cattivo gobbo di Notre Dame che frequenta la Chiesa come se ne fosse il padrone, giusto un gradino sotto a quello di Dio (“I preti votano, Dio no”). Solo, insonne, apparentemente apatico e pervaso da uno humour quasi britannico, immerso nelle tenebre come un Colonnello Kurtz in mezzo a una giungla di cemento, fuoriclasse politico invulnerabile e Padrino che elargisce dolci (le pillole rese meno amare hanno fatto la fortuna della DC). Si parla di Giulio Andreotti, il politico italiano più misterioso e discusso dei suoi tempi (ma è opportuno ricordare che è ancora in vita).

Ce lo racconta splendidamente Paolo Sorrentino: con carrellate in avanzamento così come in improvvise rinculate, la sua macchina da presa scivola su oggetti e corpi, fa un uso appropriato di ralenti, macro, primissimi piani suggestivi e rivelatori. Il regista italiano non si ferma mai, danza sul corpo di Andreotti fischiettando, perfettamente a suo agio.

Sconfina nell’onirico e nel surreale, lo sospende e lo interrompe talvolta con un accenno di taglio documentaristico introducendo immagini sgranate, quasi volesse distaccarsi e rinfrancarsi dalla verità e la realtà politica ma sempre lucidamente presente di fronte all’oggettività storica e sociale del nostro paese. Sfiora il manierismo quando lascia eccessivo spazio ai gesti e ai toni di voce di Servillo, costretto a bisbigliare per tutto il film imballato nella gobba e ammiccante dietro la maschera del trucco. E abusa di ricercatezza con una messa in scena estremamente schierata e feroce a dispetto dell’enigmaticità del personaggio.

Poi rimedia con una colonna sonora bella, aggressiva e significativa che va dalla technopop targata anni ’80 di “Da Da Da”, al flauto di Vivaldi, da Bruno Martino alle seducenti track scritte da Teho Teardo. Si infarcisce di troppi dialoghi epici, come le frasi e aforismi senza tempo pronunciati da Andreotti e da chi gli sta dintorno: una battuta via l’altra come schema difensivo dagli attacchi dei delatori. Manca solo quella più famosa: “Il potere logora chi non ce l’ha”, presa in prestito in realtà da Talleyrand, diplomatico francese del XVIII secolo.

C’è bisogno del rassicurante e accomodante refrain di Renato Zero (simbolo perfetto di travestitismo/trasformismo e voltagabbana per eccellenza) nei “migliori anni” per non farsi sopraffare dai dubbi sulla vera identità di chi abbiamo sposato e che ha vissuto sempre al nostro fianco. E questo lo sa bene la moglie Livia, ben interpretata da Anna Bonaiuto.

Lo show deve andare avanti: basta una doppia aspirina e si va in scena come il coreografo di “All that jazz”, a recitare nel teatrino politico italiano approfittando della mancanza di limpidità delle maggiori istituzioni, e le cronache delittuose stanno lì a dimostrarlo. Nella sua abbagliante imperfezione ma sempre con l’urgenza di dire, di esternare le cose che veramente si pensano, rendiamo grazie a questo autore che, caparbio oltre ogni limite, ha saputo ancorare senza indugi e cedimenti, un pezzo d’Italia malandato e corrotto.

“Il Divo” è un frammento barocco, come la scenografia che a volte circonda le vicende con un’incisività visiva senza pari che entra, alla maniera di un vorticoso refrain antropologico, nella nostra memoria e lì si fissa. Coesa con l’incedere del soggetto, a fianco di uno stato emotivo ora misticheggiante ora filosofico, la direzione artistica è una riproduzione amplificata dell’arcano e del contraddittorio.

Ma è il momento di finirla di puntare il dito verso/contro Andreotti: oggi abbiamo a che fare con un nuovo, inarrivabile Divo, talentuoso e tristemente famoso per le battute, pronto anch’egli a calcare vanitosamente la scena politica come quella delle aule giudiziarie.


STRAFUMATI

Un film di David Gordon Green.

Con Seth Rogen, James Franco, Danny R. McBride, Kevin Corrigan, Craig Robinson.

Titolo originale Pineapple Express. Commedia, durata 111 min. – USA 2008. – Sony Pictures. Uscita: venerdì 28 novembre 2008. VM 14






VOTO: 7,5


I mille travestimenti usati dall’attore Seth Rogen, il quale interpreta una specie di fattorino di notifiche poco gradite, sono anche le tante e variopinte sfaccettature di questa commedia. Non è facile tenere un ritmo così indiavolato e coerente per tutto il film, e “Strafumati” ci riesce alla perfezione.

I personaggi sono costruiti con variazioni ammirevoli e risultano fortunatamente refrattari al facile sghignazzamento: Seth Rogen (Dale Denton nel film) è una rivelazione in toto, la sua mimica è perfettamente funzionale alla vicenda, mentre James Franco (Saul Silver) si è prestato in modo sorprendente a ricoprire un ruolo, quello dello spacciatore ultrafornito, morbidissimo e disincantato col rischio di non venir preso sul serio dai dotti della cinematografia cosiddetta “pura”.

Debitore di certo cinema di Tarantino (violenza burlesca, taglio scostante delle inquadrature, corruzioni demenziali di poliziotti, dialoghi con ellissi improbabili, gli asiatici riproposti in modo macchiettistico fino all’eccesso, la droga scambiata come fosse zucchero filato, amici sparati a cui proprio non va di morire), il cinema di Gordon Green lascia una sua impronta indipendente.

Quello che più salta all’occhio è il contrasto tra la spensieratezza dei due amici perpetuamente intontiti dai “joints” e la situazione estremamente pericolosa nella quale si trovano invischiati, con tanto di omicidio. C’è una specie di vocina che sussurra per tutto il film la quale ci invita a prendere la vita alla leggera e a tenerci lontano dalle frenetiche corse in auto (come dimenticare la guida con tanto di piede fuori dal parabrezza?) e dal consumismo (la liberazione dei telefonini gettati nel bosco).

Fuori dagli schemi e fuori di testa, la pellicola si dipana tra personaggi sopra le righe (che comunque non infastidiscono), battute esagerate e squisite allo stesso tempo e bislacche variazioni delle solite commedie americane che siamo abituati a vedere. Traspare una nostalgia per certo cinema di genere girato negli anni ’80 quale “Una perfetta coppia di svitati” e un’esaltazione dei vinti, i cosiddetti nerd o geek, il tutto condito da uno humour assennato che si concede una godibilissima citazione dal “Gladiatore” di Scott.

Geniale il parallelo creato tra il bianco e nero del 1937 e la parte finale del film: una specie di firma che ribadisce fieramente l’autonomia dell’intera operazione. Il regista David Gordon Green ha talento e si candida a futuro autore. Intanto iscriviamoci subito alla MAPP (Migliori Amici Per la Pelle) e, tra cannoni e fumi di tutti i generi, concediamoci una liberatoria “Pineapple Express”.


BURN AFTER READING

Un film di Ethan Coen, Joel Coen.

Con George Clooney, Frances McDormand, John Malkovich, Brad Pitt, Tilda Swinton.

Titolo originale Burn After Reading. Commedia, durata 96 min. – USA 2008. – Medusa. Uscita: venerdì 19 settembre 2008.






VOTO: 8


Dopo “Non è un paese per vecchi”, opera interessante ma forse un po’ sopravvalutata, i fratelli Coen cambiano registro e dirigono un film avvolgente e assolutamente divertente in cui tutto è godibile, dai brillanti dialoghi alle caratterizzazioni “eccessive” dei personaggi, dallo storytelling – che salta in modo volutamente disordinato da una situazione all’altra intrecciando trame e vite apparentemente slegate tra loro – alla godereccia recitazione di tutti gli attori in gioco.

Lo spunto pare essere quello di una spy story, ma il tutto, rimanendo nell’ambito dell’intelligente commedia, è solo un pretesto che permette ai registi di inquadrare la vita di una serie di persone “normali” alle prese coi loro piccoli sogni impossibili, come l’impiegata della palestra che desidera reinventarsi grazie alla chirurgia estetica, oppure con le loro delusioni professionali – la “normalissima” spia silurata dedita all’alcol e a scrivere le proprie scottanti memorie – o ancora con le loro confuse e amarissime situazioni affettive: non c’è un legame o un sentimento che funzioni e che non deluda, da quello del tenero proprietario della palestra perdutamente innamorato dell’impiegata che non lo considera nemmeno, ai due matrimoni con intrighi e infedeltà incorporate.

L’ironia è scattante, acuta, non è mai compiaciuta ed è totalmente finalizzata a dipingere un mondo di perdenti pretenziosi, in tutti i sensi, un mondo in realtà crudele e dipinto in modo crudele, anche quando ridiamo di gusto.

Clooney e Pitt sorprendono con caratterizzazioni deliziosamente assurde e sopra le righe in cui sanno mettere in gioco il loro famoso appeal, la Swinton è perfettamente “fredda e stronza” come recita una battuta della rivale in amore, Frances Mc Dormand è allegramente inquietante mentre si inserisce con inconsapevolezza e folle fervore in un “gioco pericoloso”. E, nell’argutissimo finale, il suo è l’unico personaggio a vincere, a realizzare il proprio piccolo sogno, quello per cui, quasi senza accorgersene, ha sconvolto la vita di tutti e ha provocato la morte di chi le era accanto.

Qui tutti, dai registi agli attori, giocano, esagerano, stupiscono, e il risultato è irresistibile.

Unica nota negativa: la distribuzione italiana, che, come ormai è norma, non ha tradotto il titolo e ha affiancato soltanto un sottotitolo (“A prova di spia”, ndr) che poco ha a che fare con la storia. Visto che l’Italia non è un paese che possa vantare una conoscenza così diffusa e valida della lingua inglese, quanti avranno capito il significato di questo titolo?